Con la misma intención que se crearon los 12 principios de la animación, he intentado definir los principios fundamentales para diseñar a un personaje, una serie propiedades o ingredientes de debemos tener en cuenta en el diseño y creación de personajes. 

Una destilación de los conocimientos que he extraído durante mis Cursos de Diseño de Personajes y animación tradicional (os dejo el enlace abajo), de libros y clases de grandes maestros como Borja Montoro, Juan Pablo Lopez Arenas, Teresa Valero, Guillermo Ramirez, David Romero, Juan Pablo Navas y un largo etc.

Además de todo lo que he aprendido durante mis 20 años de experiencia como animador, Ilustrador, y artista Look Dev en Animal Animation Studios.

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IMPORTANTE: Te he dejado en este artículo, entre otras cosas:

Los 19 Principios del Diseño de Personajes, una selección de los mejores diseñadores de personajes, y nuestro TOP 5 libros para aprender a diseñar personajes.

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Principios del Diseño de Personajes

PRESTA MUCHA ATENCIÓN!  Si quieres saber cómo diseñar un personaje, debes entender que esto no es un conjunto de leyes o reglas inamovibles. Su objetivo no es más que el de una herramienta que deberéis tener en cuenta a la hora de crear vuestros personajes para animacion o ilustración, tanto si tienen un estilo mas realista, mas comic o si lo tuyo es la creación de personajes cartoon.

Principios o características que debéis romper y utilizar en vuestro favor cuando vuestros diseños no funcionen.

Según Sergio Pablos los personajes son nuestra herramienta para contar una historia. Aquí no se trata de de dibujar muy bien, si no de crear sentimientos y emociones al espectador. Por lo que si no conocemos la técnica, por muy buena ilustración que hagamos, no sabremos comunicarlos. Y es precisamente por este motivo que he tratado de reunir estos principios para que sepas como hacer un buen diseño de personajes. Agarra lápiz y papel, tu wacom cintiq y el programa que mas te guste, que empezamos.

1. Personalidad

Dicen que somos lo que hacemos. Nuestra personalidad se refleja en nuestro físico, en nuestra forma de pensar, nuestras reacciones e incluso en nuestra forma de vestir. Debemos tener la capacidad de sugerir, en simple golpe de vista, quién es y cómo se siente nuestro personaje, cuál es su historia, etc. Existen dos tipos de atributos que debemos tener en cuenta a la hora de darle personalidad a nuestro personaje.

• Los físicos y mas evidentes: Género, edad, ocupación, vestimenta, biotipo corporal, etc.
• Los Psicológicos: Personalidad, historia, arco narrativo, motivaciones, intereses.

Un funcionario jubilado, un ricachón arrogante, una superviviente, un adolescente inadaptado,… Son algunos tópicos que podríamos tener que representar y es aquí donde intervienen el resto de principios que veremos a continuación; el lenguaje corporal, el gesto, la actitud… Elementos que te ayudarán a transmitir los rasgos de su personalidad. Es por ello, que este principio es el mas relevante de todos.

Os dejo algunos trabajos de Lutgardo Fernandez, uno de los diseñadores con mas personalidad de nuestro país. Y un claro ejemplo de cómo diseñar personajes, romper las reglas y quedarse mas ancho que largo.

2. Línea de Acción

La línea de acción es una o varias líneas imaginarias que dibujamos desde la cabeza hasta los pies y atravesando la espina dorsal de nuestros personajes. Esa curva o línea de acción nos ayudará a definir la actitud, la personalidad o el estado emocional de nuestro personaje. Esta característica, además, nos ayudará a eliminar la rigidez y la simetría, a dar más énfasis a nuestra pose y por lo tanto a conseguir un dibujo mucho más interesante.

Dibujar a nuestro personaje dentro de una línea de acción ininterrumpida nos ayudará a entender mejor la pose, sus emociones y su personalidad. ¿Qué está haciendo? ¿Cómo lo hace? incluso, ¿En qué está pensando?. Esta es una máxima que guarda aún mas sentido en el mundo de la animación y que recoge el famoso libro Cartoon animation de Preston Blair. Os dejo algunos ejemplos de sobre el uso de este principio aplicado a personajes.

3. Silueta (Shape)

El uso de formas básicas o primitivas es una fórmula que nunca falla. El círculo, el cuadrado, el triángulo o incluso el uso de formas redondeadas o formas picudas definen el carácter de un personaje. Estabilidad, desconfianza, autoridad, ternura, peligro, etc, son solo algunas de las sensaciones que puedes transmitir solo con el uso de una forma u otra. 

El uso de formas simples a la hora de diseñar un personaje va a hacer que nuestro espectador perciba rápidamente su personalidad. Puedes usarlas de forma global, para definir su silueta corporal o hacerlo de forma individual (Cabeza, manos, ropa,…).

No he encontrado mejor ejemplo de aplicación de shapes en personajes que este video de Nick Swift. Y por supuesto los famosos Thuesday Tips de Griz & Norm. Vienen con indicaciones en inglés, pero incluso yo los entiendo perfectamente 😅.

4. Gesto

En el dibujo gestual buscamos líneas únicas y mas o menos precisas con el objetivo de plasmar en una idea rápida el gesto y el movimiento de nuestro personaje. Aquí no buscamos la forma geométrica del personaje sino captar el ritmo o el gesto con la máxima rapidez y sencillez posible.

No te pares a reproducir detalles, deja que el lápiz se deslice libremente por el papel, siguiendo el movimiento del modelo. Esta primera aproximación nos proporcionará una idea sobre lo que nuestro personaje está haciendo. Un flujo de líneas que hará que nuestro diseño tenga ritmo y sea mas interesante. Y aquí entran algunos diseños del grandérrimo J.P Lopez Arenas. Un verdadero ejemplo de dibujo gestual.

5. Anatomía

El conocimiento anatómico es esencial para crear personajes creíbles. Conozco grandes diseñadores de personajes a los que la anatomía les suena completamente a Chino. Sin embargo, son artistas que llevan tanto tiempo dibujando que ya tienen una enorme biblioteca mental y sus conocimientos sobre anatomía están tan interiorizados que la orientan de forma intuitiva.

Aquí el objetivo de la anatomía no es crear personajes realistas, si no creíbles. Una buena anatomia orientada al diseño de personajes te permitirá no solo aprender a dibujar seres humanos o animales, sino que aprenderás a crear monstruos, criaturas y cualquier cosa que necesites.

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6. Estructura & Construcción

Construir a nuestro personaje nos ayuda a darle una estructura sólida. Se trata de crear volúmenes tridimensionales para definir la anatomía de nuestro personaje. Este «esqueleto volumétrico» nos facilita la lectura de nuestro personaje y le proporciona direccionalidad, profundidad, tridimiensionalidad y unas proporciones coherentes. Este es, para mi, uno de los mejores ejercicios para aprender a dibujar.

Por contra, podemos caer en la trampa de eliminar el gesto y acabar completamente con el appeal de nuestro personaje. Creando un robot con unas proporciones anatómicamente perfectas, pero carente de personalidad. Por eso, el proceso debería ser, en primer lugar, crear nuestro personaje a partir de un gesto y una marcada línea de acción. A continuación construir encima los volúmenes para darle estructura, solidez y tridimensionalidad.

Es tan sencillo como definir geometrías básicas tales como esferas, cilindros y dibujar líneas de superficie para definir cada elemento de la anatomía de nuestros personajes. Esto nos dará el overlapping que necesitamos para simular la profundidad y la superposición de unos elementos sobre otros. Es, además, en este punto donde entra en juego la perspectiva, que podemos utilizar para posicionar, por ejemplo los pies a profundidades diferentes, crear un escorzo, usar una vista en 3/4, etc.

7. Volumen

Este principio guarda una estrecha relación con el anterior. Una vez hemos construido la estructura podemos definir la volumetría (simular volumen) a través de dos cosas. La superposición de unos elementos sobre otros y el uso de la luz y las sombras.

En resumen, cuando ilustramos en un papel (o una pantalla), en realidad estamos trabajando en 2 dimensiones. Por lo que la tercera dimensión (la profundidad) debemos crearla simulando volumen y profundidad. Aunque este es un trabajo que deberéis representar sobre un papel, una buena forma de aprender volumen es estudiar escultura, ya sea de forma tradicional o digital.

La escultura te ayudará a entender cómo trabajar el volumen de la musculatura, el pelo, las arrugas, etc, y por lo tanto como reacciona la luz ante determinadas formas. Deberíais conocer a David Romero, profesor de Volumen en la U-tad. No creo que haya mejor profesor para aprender Volumen. Os dejo algunos ejemplos de su trabajo.

8. Color

El color es quizá el aspecto mas importante a la hora de generar emociones. Existen cientos de estudios y libros sobre el uso del color y cómo afecta sobre nosotros. Comprende un campo tan amplio que habría que dedicarle un blog entero.

En el caso del uso del color en el diseño de personajes debemos tener en cuenta dos factores. La elección del color principal que otorgará la personalidad de nuestro personaje (El color predominante de su ropa o el tono de su piel). Por otro lado, el uso de colores secundarios que complementen y acentúen el color principal.

Es importante que sepamos elegir gamas de colores fríos o cálidos en función de dicha personalidad. Pero cuidado con esto. Los rojos puede suponer calidez, pero también peligro. Los azules representan el frio, pero también tranquilidad, bondad,…

Sin embargo, a veces sucede que tomamos decisiones sobre el color de nuestros personajes sin tener en cuenta el contexto en el que se va a desarrollar su historia. Por ejemplo, en la película Vaiana (Moana) nuestra protagonista aparece durante el 90% de la película rodeada del azul del mar. Tiene sentido que la elección de su atuendo (naranjas / rojos) favorezca y complemente el color de su entorno.

Os dejo también, algunos ejemplos de Guillermo Ramírez, una bestia del color en el diseño de personajes. Para que entendais la influencia del color sobre la personalidad, y sobre nuestra percepción. Incluyo además un ejercicio que hice de pruebas de color para uno de sus diseños. Por cierto, podéis seguirle en su blog. Muy recomendable.

9. Exageración

Si conoces los famosos 12 principios de la animación, seguro que el principio de exageración te suena. Esta propiedad se aplica exactamente igual para el diseño de personajes.  Y a igual que ocurre en animación, acentuar y exagerar ciertos atributos o acciones generalmente ayuda a hacer un diseño más creíble, y desde luego mas reconocible.

Por un lado, podemos exagerar una cualidad física, como el tamaño de las manos, de la nariz o del torso. Por otro lado, podemos exagerar una pose o incluso la propia línea de acción para acentuar ciertos rasgos de la personalidad o el estado emocional de nuestro personaje.

Por supuesto, debemos caricaturizar de forma coherente. Si bien es cierto, tiene mas sentido aplicar este principio en producciones de animación que, por ejemplo, en los personajes de un videojuego de estilo realista. Su nivel debe ir en función de la personalidad, situación, del estilo de la producción, o de la intensidad emocional de nuestro personaje. Aquí tenéis algunas capturas de dos libros maravillosos sobre su uso en la animación y el diseño de personajes. The Silver Way (Stephen Silver) y Cartoon Animation (Preston Blair).

10. Lineas Rectas vs Lineas Curvas

Una de la máximas, y no solo en el diseño de personajes, es la oposición de lineas rectas contra lineas curvas. Este principio busca el contraste en las formas que componen nuestro dibujo para éste sea mas interesante. Por algún motivo nuestro ojo se siente más cómodo cuando encuentra diversidad y alternancia en una imagen.

La lineas rectas tienen una lectura más rápida, y las curvas mas lenta, y esto suscita un mayor interés y comodidad en la lectura que hace nuestro cerebro de la imagen. Os dejo un interesante ejemplo sobre el uso de este principio aplicado al diseño de personajes. 

11. Complejidad vs Simplicidad

A igual que el anterior, este principio busca de nuevo el contraste de las formas. En este caso la oposición de formas simples contra complejas. En un ejercicio que hice durante mi curso de diseño de personajes, dibujé a un cura octogenario de perfil. Al tratarse de un personaje de cierta edad, mi profesor Juan Pablo Lopez Arenas, me sugirió dibujar un lado usando una curva sin detalles, que uniese con un único trazo la cabeza con los pies. Por contra, usar el lado opuesto para dibujar la cara, brazos, barriga y pies.

De esta forma conseguíamos enfrentar un lado simple en oposición a otro donde no paraban de suceder cosas. No hay mejor ejemplo para explicar este principio que el ejercicio con su corrección. Aquí lo veréis claramente.

12. Variedad

Evita las repeticiones. Cuando diseñamos un personajes nos encontramos multitud de elementos que nos obligan de alguna manera a repetir formas. Los dedos de las manos, los botones en una sotana, las arrugas de la ropa, la simetría en cara y cuerpo, el pelo, o como en el ejemplo que os muestro a continuación, las crestas que recorren el lomo de un cocodrilo diseñado por Sergio Pablos.

Sin embargo podemos disimular estas repeticiones haciendo pequeñas variaciones en su tamaño y proporciones, variando la distancia entre dichos elementos, colocándolos en ángulos diferentes, cambiando su dirección y modificando ligeramente su forma.

Recuerdo en una clase de Borja Montoro, que aplicaba este principio a una escalera mano. Fue una revelación descubrir cómo los peldaños, aun teniendo tamaños y ángulos diferente resultaba más interesante que un dibujo físicamente correcto. Incluyo uno de sus trabajos dónde está aplicando constantemente este principio y el cocodrilo de Sergio Pablos.

13. Asimetría

El principio de asimetría consiste, una vez mas, en crear contrastes y lineas que se complementen. Para ello debemos eliminar elementos paralelos o simétricos. Debemos buscar el ángulo tanto en su postura corporal o como en las expresiones faciales. Esto nos ayudará a crear un dibujo mas completo, creíble e interesante.

Podemos variar el angulo, la dirección incluso el tamaño de los elementos que sean simétricos. El ejemplo mas conocido es en el que contraponemos la linea de la cadera con la de los hombros. O abrimos un ojo mas que el otro. O posamos de forma diferentes las piernas y brazos de nuestro personaje.

De esta forma eliminamos el paralelismo entre las diferentes lineas horizontales que cruzan nuestro cuerpo. Una vez más, creo que he encontrado un buen ejemplo de asimetría facial y corporal en estos extractos de los libros The Silver Way (Stephen Silver) y 100 Thuesday Tips.

14. Espacio Negativo

Creo que la primera vez que oí hablar de este concepto fué al animador Pedro Daniel corrigiendo una animación. El espacio negativo vendría ser la imagen opuesta que se extrae de una silueta. El resultado de invertir nuestra forma de observar. Por ejemplo, en un diseño, el personaje sería el protagonista del espacio positivo, y que formaría silueta sobre un fondo (o espacio negativo).

Estos espacios en blanco que rodean y hacen huecos dentro de nuestra figura, nos ayudan a hacer mas legible la lectura de nuestro personaje. Por ello, es muy importante tener en cuenta este principio cuando dibujemos poses para nuestro personaje. Nuestro diseño hablará por si solo.

15. Tangentes

Uno de los errores mas frecuentes que surgen mientras dibujamos es la aparición de tangentes. Es decir, líneas que aún perteneciendo a elementos diferentes, se cruzan y superponen dando la sensación de formar parte de la misma. Creando así confusión y un efecto negativo sobre nuestro dibujo.

Os dejo una imagen de Griz & Norm, con varios ejemplos de este fallo, muy comunes, y que debemos evitar para que nuestros dibujos sean legibles.

16. Actitud & Acting

¿Que está haciendo? y segundo ¿Cómo se siente?. Estas son dos de las premisas que debería transmitir claramente nuestro personaje. La actitud nos indica que debemos dejar clara la idea de lo que sucede en un escenario. Puede definir una acción, el acting o la personalidad de nuestro actor, sus intenciones o incluso su estado de ánimo.

La actitud depende directamente de otros dos principios fundamentales, el gesto y la linea de acción. Por supuesto, aunque aquí el término está definido para el diseño de personajes, esto también sucede en animación, plató de rodaje real, escenario de un teatro o incluso en el contenido de un cuadro artístico.

En este principio, además, intervienen tres elementos de vital importancia. El lenguaje corporal, las manos y las expresiones faciales. Que además deben trabajar de forma coherente con el personaje. Imaginad al malo que quiere dominar el mundo, levantando sus manos agarrotadas, pero con una expresión facial sumisa. O peor aún, poniendo morritos de selfie. Inquietante ¿no?.

En cualquier caso, debemos dejar claro el contexto y hacer identificables las relaciones de unos elementos con otros. De nuevo, os dejo un claro ejemplo de actitud y actuación de la mano de los artistas Griz & Norm. Si quieres saber mas sobre esta disciplina, no te pierdas nuestra selección de los 6 Mejores Libros de Acting para Animación.

17. Expresión Facial

Las expresiones faciales forman parte, en realidad, del anterior principio; La Actitud y el Acting. No obstante debido al peso que ejerce en el diseño de un personaje, es importante que le dediquemos un espacio. Cuando dirigimos la mirada a una persona, personaje, actor, incluso a un animal, lo hacemos directamente a su cara. Concretamente a sus ojos.

La dirección de los ojos, la apertura de los párpados, la posición de las cejas y la boca,… Solo con la información que procede de sus expresiones podemos averiguar su estado de ánimo. Podemos interpretar lo que siente, si está pensando, si intenta recordar algo, incluso si nos está mintiendo. Esto último, por ejemplo, sucede cuando se contradicen la expresión de los ojos y el gesto de la boca. Existen de hecho, algunos estudios que hablan precisamente del significado de cada reacción.

Por eso es tan importante conocer cómo reaccionan todos los elementos de nuestro rostro ante determinadas emociones. Solo así podremos hacer un uso correcto de las expresiones y aplicarlas de forma coherente con nuestro personaje.

Consejo. Estudia tus propios gestos delante de un espejo, después elige un personaje que conozcas bien y trata de dibujar esas expresiones. Este un ejercicio imprescindible para cualquier animador o diseñador de personajes que se precie. Os dejo algunos ejemplos del que considero uno de los grandes maestros de la historia de la animación de nuestro país, Borja Montoro.

Borja Montoro | Blue Sky

18. Credibilidad

La personalidad o la apariencia debe ser además creíble. A igual que ocurre con un actor real, en la personalidad deben reflejarse sus complejos, sus deseos y necesidades. Estos marcarán su comportamiento y sus reacciones a lo largo de la película, comic, serie o videojuego.

Nos encontramos con un principio que busca el atractivo, la credibilidad y sobretodo la coherencia para que el espectador tenga la sensación de que el personaje es real, que está vivo y además es consistente consigo mismo. En definitiva, es una combinación correcta del resto de principios, para que todos jueguen en la misma dirección.

Este principio lo aprendí en un curso de animación tradicional con Borja Montoro. Evidentemente, las reglas del juego eran otras. Sin embargo el significado de este principio se aplica exactamente de la misma manera.

19. Dibujo

El último principio, y de alguna forma, la base de todos los demás. El Dibujo no es mas que una herramienta para poder expresar y comunicar gráficamente cualquier cosa que necesitéis. Hace poco, mi profesora Teresa Valero citaba algo como «Sin técnica jamás podremos conseguir que el que está al otro lado nos entienda«.

Así que para diseñar y crear personajes nunca te puede faltar una buena base de dibujo. Da igual el estilo que utilices, conocer las técnicas, tener una buena conexión cabeza-mano y hacerte con una enorme biblioteca mental. Solo así sabrás comunicar. Y que no te quepa duda, el dibujo no es una profesión reservada para unos pocos privilegiados, pero desde luego, es una carrera de fondo.

Como último consejo, os recomiendo mejorar vuestra técnica de dibujo. El uso de referencias, practicar el dibujo del natural, anatomía humana y animal, dibujar cientos de manos y aprender a dibujar ropa son solo algunos de los ejercicios que deberías hacer antes de aprender diseño de personajes. 

Os dejo algunos trabajos de Teresa Valero que dicen mucho precisamente de esto, saber comunicar. Y si no, fijaos en las primeras viñetas que os dejo a continuación, en lo bien contadas que están y las cosas que están sucediendo. Una verdadera bestia del dibujo y la comunicación a la que tengo el gran honor de tener como profesora. No dudéis en seguir su instagram.

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